Yves Beaumont. Painter.
A tour past the old masters, pastoral landscapes and traces through paint

I am sucked in by a panorama. My mind is filled with memories of a landscape I once dwelled in. I’m exploring the environment on the canvas like a traveller, working my way through the painted landscape. My eyes walk the relief of the skin of paint, scan its lines, directions and structures, meet colours and layers as if they were walking feet. I come across a series of close-ups and have to retreat, looking for subtle distortions in the rhythm of the whole. Just as quickly I have to take a step forward again, closer to details, thirsty for more of that indefinable atmosphere. This is how I experienced an unguarded moment during a recent visit to the studio of Yves Beaumont (b. 1970, Ostend, Belgium).

Ever since his debut this artist has steadily explored ways of translating the timeless power of nature to canvas in a contemporary way. When we take a brief look at the rich European history of landscape painting, it is obvious that this is a tricky mission. There are alternating periods of realism, idealisation and romanticism. Beaumont especially has an affinity with the latter. There we see Ruysdael and Rembrandt, who were the first to break through straightforward registration and season their 17th-century landscapes with pathos and melancholy. Constable, C.D. Friedrich and Turner built up the drama even more in the beginning of the nineteenth century, making the romantic landscape the mirror of the soul. In the late nineteenth century, the emphasis moved to experiencing nature itself. The Barbizon School and the impressionists focussed on the idea and/or feeling that came to them ‘en plein air’ during their observations and tried to find a visual language that could catch the fleetingness of their impressions. The “Mont Sainte-Victoire’ series of Cézanne with its powerful lines, Mondrian’s ‘Apple Tree’ series, which evolves towards an ever more extreme abstraction, the angular Flemish expressionist depiction of the countryside and the unruly and tactile subtleties of Raoul De Keyzer are some examples of how the artistic view on the landscape increasingly alienated from reality as the twentieth century progressed. The landscape became an individual interpretation and appeared in its poetic form.

To discover this different, rather more detached dimension, one merely needs to give a subject slightly more attention than the usual quick, passing glance. Then the branch suddenly becomes a vein that meanderingly melts into a rippling surface of water. Cracks in the ice hide the thickness of a layer of frost, give the impression of depth and fade into infinity. The glint of light reflecting on the surface of the ocean grows along with a wave and becomes a panorama. The line of a chalk cliff stands out against its backdrop, but is abruptly swallowed by the abyss a bit further on. It is stimuli like these, bordering on the spiritual, that feed Beaumont’s imagination. This poetic dimension, stripped of the sentimental overtones of romanticism and freed from the torment of the sublime experience, is experienced most clearly in those vast and desolate areas where nature is still unspoilt, but the private mystery behind the organic overgrowth of a dark forest or the structure of a fragment of bark can fill the artist with a hint of melancholy as well.

Is Beaumont driven by an unstoppable urge to be free? Does his active mind find peace and harmony in the tristesse of the desolate scenery? Does the artist occasionally enjoy being overcome with a bittersweet nostalgia? Whatever the case may be, the documentation he assembles while he is there shows that the first impressions are complex and layered. Photos are shrouded in suggestive openness. His studies are more baroque and organic than the final result on canvas.

Back in his studio, he can channel this experiential chaos. He critically reflects on the view, interpretation and memory of the landscape he has so closely observed. He strips away specific details and begins to develop a more universal synthesis. In this synthesis he incorporates not only his view on the perceived image, but also a very conscious reflection on the act of painting itself. How and where can paint be added or scraped away? Can a new layer of paint cover another one, or should it be kept transparent to preserve the organic flow of colours and shapes underneath? Is another layer even necessary? The act of painting leaves traces. The skin of paint slowly acquires its definitive relief. With intuitive gestures and careful precision he makes small adjustments to the process of distilling and crystallising that which is important. He patiently traces the boundary between the barely recognisable reality of a forest and the abstract chiaroscuro of four black and pale green triangles. A black line on a bare white canvas could be a geometric abstract work, but acquires concrete meaning as a horizon within the context of his oeuvre. The height of a horizon is shifted from high to low and back. The artist keeps pondering until he finds the balance between reality and pictoriality. The image he creates should allow the viewer to feel, to approach the way he himself has experienced the original landscape.

As Beaumont’s work evolves, we can see the internal connections surfacing. His alternation between wide panoramas that show the landscape in its infinite vastness and close-ups that focus mainly on the structure of details in the landscape suggests an eclectic approach to the overall theme, but out of these micro-views and macro-perspectives emerge images with a strong formal relationship. A group of tree trunks in a dense forest could be the mirror image of reeds in close-up. The capricious structure of olive branches generates a visual echo of the waterfall we saw in his earlier work. Subjects, views and ideas are reused. Picture elements are adjusted. The morphological language dances back and forth on the thin rope between figuration and abstraction. Paint becomes a new skin, with different imperfections and emphases. We see variations on a theme appearing. The timelessness of the landscape, that dual spirit of awe and admiration, of both being a tiny part of a totality and seeing the whole, the identity of the artist who takes a firm grip on the subject matter and a straight course along artistic choices, make the multiplicity of Beaumont’s work consistently fascinating.

Annelies Vantyghem


Langs oude meesters, weidse natuur en sporen in de verf

Een panorama zuigt me in zich op. Herinneringen aan een landschap waarin ik ooit vertoefde, vullen mijn geest. Als een reiziger verken ik de afgebeelde ruimte op het doek, baan ik mij een weg doorheen het geschilderde landschap. Mijn ogen bewandelen het reliëf van de verfhuid, tasten lijnen, richtingen en structuren af en ontmoeten kleuren en gelaagdheden als waren het voeten onderweg. Een serie close-ups doet me terugwijken, op zoek naar subtiele ritmestoornissen binnen het geheel. Al even snel doet ze me opnieuw een stap naar voor zetten dichterbij details, dorstig naar meer van die onbestemde sfeer. Zo beleefde ik een onbewaakt moment tijdens een recent atelierbezoek bij Yves Beaumont (°1970, Oostende).

Al sinds zijn debuut onderzoekt de schilder gestaag hoe de tijdloze kracht van landschappen op een actuele manier op doek kan worden vertaald. Wanneer we de rijke Europese geschiedenis van de landschapsschilderkunst in vogelvlucht doorkruisen, wordt zonder meer duidelijk dat dit een beladen missie is. Periodes van realisme, idealisering en romantisering wisselen elkaar af. Vooral met laatstgenoemde strekking voelt Beaumont zich verwant. We zien daarin van Ruysdael en Rembrandt de nuchtere registratie voor het eerst doorbreken en hun 17de-eeuwse landschappen kruiden met pathos en melancholie. Constable, C.D. Friedrich en Turner drijven de dramatiek begin 19de eeuw verder op en maken het romantische landschap tot spiegel van de ziel. Eind 19de eeuw komt de nadruk te liggen op beleving van de natuur. De School van Barbizon en de impressionisten concentreren zich op het idee en/of het gevoel dat hen tijdens waarnemingen ‘en plein air’ overvalt en zoeken naar een beeldtaal die de vluchtigheid van hun indrukken kan vatten. De lijnkrachtige ‘Mont Sainte-Victoire’-reeks van Cézanne, Mondriaans naar steeds extremere abstractie evoluerende ‘Appelboomserie’, de hoekige Vlaams expressionistische verbeelding van het platteland en de weerbarstige en tactiele subtiliteit van Raoul De Keyzer zijn enkele voorbeelden van hoe de artistieke blik op het landschap doorheen de 20ste eeuw alsmaar meer van de werkelijkheid vervreemdt. Het landschap wordt individuele interpretatie en verschijnt in zijn poëtische gedaante.

Om in een landschap deze andere, meer onthechte dimensie te ontdekken, volstaat het net iets intensiever te kijken dan met de vlugge, werktuiglijke blik van alledag. Een tak wordt dan plots een ader en vloeit kronkelend met een rimpelend wateroppervlak ineen. Kraken in het ijs maken de dikte van een vorstlaag zichtbaar, suggereren diepte en vervagen in oneindigheid, de glinstering van een lichtreflectie op zee groeit horizontaal met een golf mee en wordt panorama. De lijn van een krijtrots tekent zich scherp af maar wordt verderop abrupt door de afgrond opgeslokt. Door dergelijke, aan het spirituele grenzende, extra prikkels blijft Beaumonts verbeelding geïnspireerd. Deze poëtische dimensie, ontdaan van de sentimentele bijklank van de romantiek en bevrijd van het torment van de sublieme ervaring, kan hij het duidelijkst ervaren op desolate, weidse plekken waar de natuur nog ongerept is. Maar ook het besloten mysterie achter de organische woekering van een donkere bosgrens of de structuur van een fragment boomschors kunnen de schilder met een zweem melancholie vervullen.

Wordt Beaumont gedreven door een onstuitbare drang naar vrijheid? Vindt zijn actieve geest rust en harmonie in de tristesse van verlaten openheid? Houdt de schilder ervan om zich af en toe even door bitterzoete heimwee te laten overspoelen? In elk geval is aan het ter plekke verzamelde documentatiemateriaal te zien dat de eerste indrukken complex en gelaagd zijn. Foto’s worden omfloerst door suggestieve openheid. Studieschetsen zijn barokker en meer organisch dan het uiteindelijke resultaat op doek.

In het atelier wordt de ervaringschaos gekanaliseerd. De kunstenaar reflecteert kritisch over zijn kijk op, interpretatie van en herinnering aan het landschap dat hij intensief waarnam. Hij ontdoet het van particuliere details en begint aan het ontwikkelen van een universelere synthese. In die synthese wordt niet alleen zijn visie op het waargenomen beeld verwerkt, maar ook een heel bewuste reflectie op het schilderen zelf. Hoe en waar kan verf worden toegevoegd of weggeschraapt? Mag een nieuwe verflaag die andere dekken of blijft ze beter transparant voor het organische gebeuren van kleuren en vormen eronder? Is een volgende laag überhaupt nodig? De handeling van het schilderen laat sporen na. Langzaam krijgt de verfhuid haar definitieve reliëf. Intuïtieve gestiek en zorgvuldige precisie sturen een proces van uitpuren en concretiseren bij. De grens tussen de nog net herkenbare werkelijkheid van een bos en het abstracte clair-obscur van twee zwarte en twee vaalgroene driehoeken wordt geduldig afgetast. Een zwarte lijn op een schraal wit doekje zou een geometrisch abstract werk kunnen zijn, maar krijgt binnen de context van het oeuvre concrete betekenis als horizonlijn. De hoogte van een einder wordt verlegd van lager naar hoger en terug. Tot het evenwicht tussen realiteit en picturaliteit wordt gevonden, blijft de schilder wikken en wegen. Zijn beeld moet de kijker in staat stellen om de manier waarop hijzelf het bronlandschap heeft beleefd te voelen, te benaderen.

Naarmate Beaumonts oeuvre evolueert, komt de interne samenhang des te meer bovendrijven. De afwisseling tussen weidse panorama’s die het landschap in zijn oneindige uitgestrektheid afbeelden en close-ups die zich vooral focussen op structuren van landschapsdetails lijkt op een eclectische omgang met het thema te duiden. Toch komen uit deze microblik en dit macroperspectief beelden voort met een sterke formele verwantschap. Een groep boomstammen in een dicht woud zou het spiegelbeeld kunnen zijn van rietstengels in close-up. De grillige takkenstructuur van olijfbomen genereert een visuele echo van een waterval uit een vroeger werk. Onderwerpen, standpunten en concepten worden hernomen. Beeldelementen worden aangepast. De vormentaal danst heen en weer op de dunne koord tussen figuratie en abstractie. De verf groeit uit tot een nieuwe huid met andere imperfecties en accenten. Er ontstaan variaties op één thema. De tijdloosheid van het landschap, die dubbele sfeer van huiver en bewondering, van nietig deel uitmaken van een totaliteit en ze tegelijk overzien, de identiteit van de schilder die zich vastzet in de materie en een rechtlijnige koers langs artistieke keuzes, maken het oeuvre in zijn veelvormigheid boeiend consistent.

Annelies Vantyghem


Facebook
@